Introduction générale §

Après la mort de Molière en 1673 la comédie semblait être hantée par sa mémoire. Non seulement ses pièces continuèrent pour quelques années à constituer le principal élément dans le répertoire de ses compagnons, mais aussi on chercha à ramener ses personnages sur la scène comme le firent Brécourt (dans L’Ombre de Moliere), Champmeslé (dans Les Fragmens de Moliere), ou encore Thomas Corneille, à la demande d’Armande Béjart, veuve de Molière, il est vrai, avec la réécriture en vers du Festin de Pierre. Beaucoup d’autres auteurs imitèrent Molière et sa mémoire était si forte que Dufresny fit déclarer par un personnage de son Négligent en 1692 qu’il était difficile d’écrire une comédie car elle serait considérée soit comme une imitation médiocre de Molière soit comme une pièce qui, ne l’ayant pas imité, serait par conséquent sans valeur. Néanmoins, beaucoup s’y essayèrent et tentèrent d’associer à la fois imitation et innovation.

Comme il était difficile d’accepter le fait qu’après février 1673 il n’y aurait plus de nouvelles comédies écrites de la main de Molière, les trois auteurs cités plus haut cherchèrent à capitaliser sa popularité dans des pièces écrites en son honneur, reproduisant de célèbres scènes qu’il avait composées ou rendant possible la représentation d’une œuvre interdite. Assez étrangement, ce fut la troupe rivale, celle de l’Hôtel de Bourgogne, qui chercha la première à rappeler sa mémoire.

C’est ainsi qu’en mars 1674 Guillaume Marcoureau, sieur de Brécourt, produisit pour la première fois à l’Hôtel de Bourgogne L’Ombre de Moliere, pièce qu’il espérait voir être une « espèce de table » des comédies de Molière et donc largement inspirée de ses pièces et de ses personnages. Dans cette optique, la pièce est quelque peu incomplète mais elle rappelle bon nombre de pièces majeures et montre que Brécourt les admirait grandement. La seconde pièce qui rend hommage à Molière requiert encore moins d’esprit inventif : il s’agit des Fragmens de Moliere de Charles Chevillet, sieur de Champmeslé, qui fut probablement composée à la fin de l’année 1674 après la représentation et la publication de L’Ombre. Le fait que Le Festin de Pierre n’avait pas été publié à ce moment-là encouragea Champmeslé à reproduire quelques unes de ses scènes, en prenant soin d’éviter celles qui avaient fait scandale en 1665.

Introduction §

L’Ombre de Moliere de Guillaume Marcoureau, sieur de Brécourt, fut représentée pour la première et dernière fois à l’Hôtel de Bourgogne en mars 1674. Elle fut reprise ensuite au Théâtre Guénégaud, le 23 septembre 1682, par la Comédie-Française créée en 1680. Brécourt composa cette comédie en un acte et en prose juste après la mort de Molière, lui rendant ainsi hommage, et contribua à populariser l’idée d’un Molière défenseur de la morale des honnêtes gens et ennemi des outrances. Il dresse d’ailleurs en ce sens un portrait de celui-ci dans son prologue :

La maniere dont il paroît dans ma Comédie, le represente naturellement comme il estoit, c’est à dire comme le Censeur de toutes les choses déraisonnables, blâmant les sottises, l’ignorance, et les vices de son siecle⁸.

Cela lui permet aussi d’expliquer sa démarche et de montrer en quoi il admirait ce grand acteur dramaturge. Le 12 avril 1674 Brécourt obtient un privilège du roi et le premier achevé d’imprimer date du 2 mai 1674 : la pièce est d’abord éditée à Paris chez Claude Barbin, puis elle est jointe aux éditions des Oeuvres de Molière qui apparaissent en 1675 et en 1682. L’éditeur admit que ce n’était pas une pièce de Molière mais tint qu’elle méritait d’apparaître dans la collection parce qu’elle chantait ses louanges et introduisait plusieurs de ses personnages.

Dans son épître dédicatoire au duc D’Enguien, Brécourt souhaite que sa comédie « soit une espèce de table » pour les œuvres de Molière et justifie ainsi son procédé de faire défiler dans sa pièce bon nombre des personnages de quelques comédies de Molière avec leurs caractères et leurs attributs comiques. La pièce devient, en ce sens, un véritable ballet de personnages moliéresques.

Brécourt place la scène dans les Champs Elysées, c’est-à-dire les Enfers romains où séjournent les morts. L’ombre de Molière y rencontre plusieurs personnages types dont il a fait la satire, et qui viennent se plaindre du sort qu’il leur a réservé dans ses comédies. On assiste donc au procès de Molière devant la Cour de Pluton où chaque plaignant vient demander justice et réparation, accusant Molière de la mauvaise presse qu’il leur a faite. Après s’être défendu lui-même, Pluton l’honore en lui donnant une place entre Térence et Plaute, deux figures majeures de la comédie durant l’Antiquité romaine.

Cette pièce est originale car, si dans l’intrigue Pluton doit rendre un jugement sur Molière, à travers lui Brécourt rend lui-même son propre jugement sur les comédies de Molière et sur son théâtre qui, dit-il, « nous a servy longtemps d’une divertissante et profitable Ecole⁹ ».

Qui était Brécourt ? §

Guillaume Marcoureau, sieur de Brécourt, naquit le 10 février 1638 à Paris et y mourut le 28 mars 1685. Il était fils du comédien Pierre Marcoureau, sieur de Beaulieu et de Marie Boulanger. Un annaliste de spectacle a prétendu qu’il était Hollandais de nation et qu’un nommé Filandre, chef d’une troupe de comédiens de campagne, ayant trouvé au jeune Brécourt de la disposition pour jouer la comédie, lui fit apprendre le français et le garda quelques temps. Lemazurier¹⁰ considère à juste titre que l’anecdote est peu vraisemblable, mais qu’« heureusement il n’importe pas qu’elle soit éclaircie ». Ce que l’on sait avec plus de certitude, c’est qu’ayant embrassé de très bonne heure la carrière du théâtre – dès l’âge de 12 ans il débuta avec ses parents dans la troupe du dit Filandre – il joua la comédie en province pendant quelques années, dans différentes troupes qui la parcouraient.

Arrivé à Paris, il se fit connaître d’abord sur la scène du Marais, où il entra à Pâques 1659, avant de passer dans la troupe de Molière, le 10 juin 1662 avec La Thorillière, où il fut regardé dès lors comme l’un des meilleurs acteurs de sa troupe. Il épousa Etiennette des Urlis, comédienne du Théâtre du Marais, le 18 décembre 1659. Il joua le rôle d’Alain dans la première représentation de L’Ecole des femmes, le 26 décembre 1662. Il s’illustra aussi en tenant un rôle dans L’Impromptu de Versailles. Mais il ne resta pas longtemps. Les anecdotes sont nombreuses sur les raisons de son départ de la troupe. La plus répandue est la suivante : on dit de lui qu’il mettait facilement la main à l’épée et si cela lui valut, au cours d’une chasse au sanglier à Fontainebleau en 1678, les félicitations de Louis XIV, cela lui attira à plusieurs reprises des difficultés et notamment, quelques années plus tôt, la blessure mortelle qu’il infligea à un cocher l’obligea à s’enfuir en Hollande où il alla diriger la troupe des comédiens du duc d’Orange. Mais, rentré en grâce en 1664, à la suite du rôle qu’il joua dans une affaire politique, il retourna à Paris et entra à l’Hôtel de Bourgogne pour y trouver, notamment, des rôles plus en rapport avec ses dons de tragédien. D’autres prétendent, et c’est le cas notamment au XVIII^e siècle avec Beauchamps (1735), qu’il s’était brouillé avec Molière mais on ignore la cause de leur brouillerie.

Lors de la réunion des troupes en 1680, Brécourt fut conservé, et joua encore pendant un peu plus de quatre années. Il partagea, à la Comédie Française, avec Rosimond, les rôles de Molière. Il se rompit, dit-on, une veine par les efforts qu’il fit en représentant à la cour le principal rôle de sa comédie de Timon, et mourut des suites de cet accident à la fin de mars 1685.

En tant qu’acteur, il excellait aussi bien dans le genre comique que le genre tragique. On a gardé plusieurs anecdotes dont celle de Louis XIV qui, charmé de son jeu dans le rôle d’Alain de L’Ecole des femmes, ne put s’empêcher de dire : « Cet homme-là ferait rire des pierres¹¹ ! » Il joua les seconds rôles de la tragédie, et beaucoup de rôles comiques de différents genres.

Il parut en qualité d’auteur dès 1660, mais Lemazurier prétendit qu’ « il se fit bien plus de réputation en jouant dans les pièces des autres qu’en risquant les siennes au théâtre ». Cela explique en partie le fait que ses pièces soient tombées dans l’oubli et qu’il ne soit pas passé pour un grand auteur. Néanmoins, il composa plusieurs pièces, et principalement des comédies, dont La Feinte mort de Jodelet (1660), Le Grand benêt de fils (1664), La Noce de village et Le Jaloux invisible (1666), L’Infante salicoque, ou les Héros de Roman (1667), L’Ombre de Moliere et Les Régals des cousins et des cousines (1674), Les Apartements et La Cassette (1683), et enfin Timon, repris sous le titre Les Flatteurs trompés, ou l’ennemy des faux amis (1684). A propos des comédies qu’il fait jouer, Lemazurier explique qu’elles « n’ajoutent rien à sa réputation : elles sont du genre le plus bas et le plus trivial ; aussi personne ne lui en disputa-t-il la propriété. On sait cependant qu’elles eurent du succès ».

On connaît, selon Alan Howe, l’origine du pseudonyme de Brécourt grâce à « un accord du 5 avril 1647 qui dévoile la dérivation du surnom Brécourt, adopté par Guillaume Marcoureau. « Grâce à cet acte, on peut déduire que Marcoureau prend son nom professionnel de l’ancien hôtel de Brécourt, à l’enseigne du Petit-Saint-Jean, situé rue d’Arbre-Sec, propriété que possédaient en division son père, Pierre Marcoureau, dit Beaulieu, et ses cousins, enfant de Jeanne Marcoureau, sa tante¹² ».

L’intrigue et sa source. §

Dans sa dédicace au duc d’Enguien, Brécourt affirme, on l’a vu, le souhait que sa comédie soit considérée comme une « espèce de table » des comédies de Molière et son désir va être satisfait, de façon incomplète certes, mais au détriment de l’action de la pièce. De fait, il compose une intrigue qui lui permet de faire ressurgir, comme dans un ballet, quelques uns des grands personnages moliéresques. La pièce ne comporte donc pas de véritable action ni d’enjeu réel. Il n’y a pas non plus de pierres d’attente à poser pour le spectateur et qu’il faudrait satisfaire dans le dénouement. De ce fait, il n’y a pas de dénouement à proprement parler puisqu’il n’y a aucun nœud à délier.

Tout l’enjeu de la pièce est de savoir si l’on peut honorer légitimement Molière. L’action est donc très simplifiée : il s’agit du procès de l’ombre de Molière devant Pluton, et plus exactement de son jugement dernier, pour juger non pas sa vie et ses actions sur Terre, mais son œuvre dramatique, et pour déterminer si l’on peut le louer comme un illustre poète et auteur dramatique. Tout, dans cette pièce, est orienté vers la question de l’hommage à rendre au grand dramaturge défunt. Non seulement c’est cette volonté de lui rendre hommage qui pousse Brécourt à composer cette petite comédie, mais encore dans l’intrigue même de sa pièce il met en jeu cette question, en la posant au public, comme pour légitimer sa démarche, puisque finalement la seule question que pose L’Ombre et qui importe est celle-ci : est-il légitime d’honorer Molière ? Brécourt met en question son propre travail devant le spectateur et l’incite à entrer, lui aussi, dans cette réflexion. La question est rhétorique car, d’emblée, le spectateur sait que la réponse sera affirmative. Mais le dramaturge le fait participer pour qu’il parvienne lui-même jusqu’à cette évidence. Et l’action de la pièce progresse en ce sens, c’est-à-dire de façon à montrer que Molière est un honnête homme¹³ digne de louanges et que « son théâtre nous a servi longtemps d’une divertissante et profitable école¹⁴ » en condamnant les outrances et les vices de son siècle et en les ridiculisant sur la scène. Minos, l’un des juges des Enfers, le confirme déjà avant même que l’audience ait lieu et que le jugement soit rendu :

C’est son arrivée icy qui cause cette Audiance, qui sans doute ne sera pas sans difficulté. Chacun prétend avoir sujet de se plaindre de luy ; Luy prétend n’avoir offensé personne ; Au contraire, de la maniere dont il parle, il semble que tout le monde luy soit obligé, et mesme il en donne d’assez bonnes raisons, et voilà qui est embarrassant¹⁵.

Minos semble donc déjà prendre parti pour Molière, en d’autres termes l’accusé, d’où son embarras, puisqu’un juge doit être impartial et objectif et ne doit pas baser son jugement sur un sentiment et une intuition personnels. Avant même le début du procès, Molière s’est donc déjà attiré la sympathie de l’un des juges pourtant réputé pour son extrême sévérité et l’impartialité sans appel de ses décisions. Cela augure bien pour l’issue du procès. En outre, Brécourt annonce, dès la scène III, le dénouement heureux de la pièce, comme pour démontrer que son évidence ne vient pas du fait qu’il s’agit d’une comédie mais du fait que Molière est incontestablement digne de louanges et d’éloges. Ainsi lorsque Pluton demande à Minos où il a laissé Molière avant que le procès ne débute, celui-ci répond :

Dans l’Allée des Poëtes, où il a trouvé l’Esprit de Térence et de Plaute, avec qui il se divertit¹⁶.

C’est la place même que Pluton conférera à Molière, une fois justice rendue à la dernière scène, pour l’honorer. Voici le poème que Brécourt dédie à la mémoire de Molière à travers la bouche du dieu Pluton :

Mais il est temps de prononcer

En quel endroit je doy placer

Ton Ombre avecque ta Memoire.

Que la Posterité t’en choisisse le lieu ;

Et tandis qu’elle ira travailler à ta Gloire,

Entre Térence et Plaute occupe le milieu¹⁷.

L’hommage à Molière est donc d’emblée présenté comme une évidence, et il devient un prétexte commode pour faire défiler les personnages moliéresques. Le procédé est original car il permet de confronter sur la scène le créateur à ses œuvres. Brécourt ne fait pas allusion à toutes les comédies de Molière, car il serait trop long et trop fastidieux pour le spectateur de voir défiler tous ses personnages les uns après les autres, et l’action de la pièce, déjà presque inexistante, piétinerait et disparaîtrait totalement. Brécourt doit donc faire un choix et présenter les personnages qui reflètent l’ensemble de son œuvre et, en même temps, des personnages dont la seule apparence et le simple langage doivent faire rire le spectateur. En effet, puisqu’il n’y a pas de véritable intrigue, ni d’action réelle, Brécourt doit combler le manque en insistant sur le côté plaisant et divertissant de sa pièce pour conserver son public et garder son attention. Il prend néanmoins la peine d’annoncer et de justifier le fait que son ouvrage n’est pas exhaustif : lorsque Caron dresse la liste de tous les plaignants, sorte de rappel de l’ensemble des comédies de Molière, « des Prétieuses, des Bourgeoises, des Marquis ridicules, des Femmes sçavantes, des Avares, des Hypocrites, des Jaloux, des Cocus, et des Medecins », sans oublier le Limousin Pourceaugnac, Pluton s’écrit :

En voila trop pour un jour : Qu’il n’en vienne qu’une partie¹⁸.

Ainsi, sans présenter sur scène tous les personnages de Molière, Brécourt parvient néanmoins à présenter l’ensemble de son œuvre ou, du moins, à y faire allusion en nommant tous les types qu’il a créés.

L’ordre d’apparition des personnages n’est donc pas anodin puisqu’il correspond à l’idée que Brécourt se fait de l’œuvre de Molière. Cette idée, il la présente à la scène III par l’intermédiaire de Minos qui informe Pluton du cas qui doit être traité dans ce procès. On peut suivre ainsi la liste de tous les plaignants qui vont défiler :

Il y avoit autrefois là-haut un certain Homme qui se mesloit d’écrire, à ce qu’on dit ; mais il s’estoit rendu si difficile, que rien ne luy sembloit parfait. Il se mit d’abord à critiquer les façons de parler particulières ;

• –Brécourt annonce l’arrivée de la Précieuse, de la comédie des Précieuses ridicules–

En suite il donna sur les habillemens ;

• –il s’agit, bien sûr, de l’accoutrement ridicule du Marquis de Mascarille, dans la même comédie–

De là il attaqua les mœurs,

• –Brécourt choisit là le personnage le plus ridicule et le plus bouffon : le Cocu du Cocu imaginaire–

et se mit inconsidérément à blâmer toutes les sottises du monde :

• –Il s’agit ici, pour Brécourt, de présenter un échantillon varié de différents types de personnages. Il amène ainsi sur scène Nicole, du Bourgeois gentilhomme, qui prend ici l’office du valet bouffon pour divertir le public et suspendre l’action un moment. De fait, elle n’est pas nécessaire à l’action puisqu’elle ne vient pas se plaindre de Molière et sa seule revendication est de pouvoir continuer à rire tout son saoul sur toute chose, comme elle sait si bien le faire. C’est le type même du personnage qui se moque de tout et qui ne prend rien au sérieux, pas même la mort. Apparaissent ensuite Pourceaugnac, de Monsieur de Pourceaugnac, et Mme Jourdain, du Bourgeois gentilhomme également–

Il ne pût jamais se résoudre à soufrir tous les abus qui s’y glissoient. Il dévoila le mystere de chaque chose, fit connoître publiquement quel intérest faisoit agir les Hommes, et fit si bien enfin, que par les lumières qu’il en donnoit, on commençoit de bonne-foy à trouver presque toutes les choses de la vie un peu ridicules. Il n’y eut pas jusqu’à la Medecine mesme qui n’eut part à sa Censure ;

• –apparaissent alors les quatre médecins de L’Amour médecin–

et ce fut une des choses qu’il toucha le plus souvent, et sçeut si bien reüssir en cette matiere, que pour peu qu’il l’eut traittée encore, il y auroit eu lieu de craindre pour les Medecins qu’ils n’eussent accomply pour une seconde fois quelque petit Bannissement de six cens années¹⁹.

Ainsi, plus qu’une véritable action, la pièce présente une succession de petits tableaux où l’ombre de Molière est sans cesse confrontée à l’un des personnages qu’il a créés. L’action piétine, puisque pour les trois premiers plaignants, la Précieuse, le Marquis et le Cocu, Molière ne prend pas la peine de répondre ni de se défendre. Tout se succède donc sans lien apparent et le spectateur peut être tenté de se « lasser de tout cecy » avec Pluton car Brécourt n’exploite pas assez les attributs des personnages pour créer une véritable situation comique, un échange cocasse, un quiproquo ou une attitude ridicule. Il semble, en effet, ne chercher qu’à montrer, à donner à voir ces personnages sur la scène plutôt qu’à tirer parti de leurs traits et de mettre en valeur leur discours. Plusieurs personnages sont d’avantage présents sur scène pour faire de la figuration, se montrer, que pour faire avancer l’action. On comprend mieux alors pourquoi les répliques manquent de saveur, pourquoi Molière ne répond rien jusqu’à l’arrivée de M. de Pourceaugnac et pourquoi les personnages donnent une idée incomplète des satires de Molière. Néanmoins, s’il n’y a pas d’intrigue à proprement parler, la pièce fait preuve d’une grande unité. Unité d’action, malgré la grande diversité des personnages qui défilent sur la scène, puisque les quatorze scènes présentent le seul procès de Molière, et parce que tout est fait en fonction de l’hommage à rendre à Molière. Cependant, Lancaster estime pour sa part que l’unité d’action n’est pas respectée²⁰, sans doute parce que l’extrême variété des personnages qui défilent, sans qu’il y ait un lien logique entre eux, mis à part le fait qu’ils viennent se plaindre contre Molière, introduit sur la scène quantité de thèmes différents et nouveaux tout au long de la pièce. L’unité de temps est, en revanche, incontestable puisque la pièce commence peu avant le lever de Pluton et s’achève sur le carillon qui annonce son coucher. Tout se passe donc en « un seul jour », comme le dit Pluton lui-même. Enfin, unité de lieu puisque la scène a lieu dans la salle du tribunal des Champs Elysées où Pluton rend sa justice.

À propos du lieu, on remarque au passage le choix du lieu mythologique, les Enfers de l’Antiquité romaine. Arrêtons-nous un instant sur ce lieu et ses habitants. Les Enfers, royaume des morts que Pluton a reçu en partage du monde, est un lieu souterrain où descendent les âmes après la mort pour y être jugées et recevoir le châtiment de leurs fautes ou la récompense de leurs bonnes actions. Des fleuves sombres et limoneux parcourent les Enfers comme le Styx et l’Achéron. De vagues ombres s’étendent à perte de vue le long de ces fleuves : ce sont les âmes de ceux qui ont cessé de vivre que Mercure amène par groupes sans cesse renouvelés. Elles attendent le moment de passer à l’autre bord. Une seule barque remplit cet office, la barque de Caron, personnage représenté à la scène I avec sa rame. De l’autre côté de l’eau se trouve un carrefour dit le Champ de Vérité. Deux routes s’en détachent : l’une pour pénétrer dans les profondeurs du Tartare, séjour de la Douleur et du Châtiment où sont précipitées les âmes injustes et criminelles, l’autre pour conduire aux Champs Elyséens, le séjour heureux des âmes vertueuses. En plaçant la scène directement dans les Champs Elysées, Brécourt nous offre une preuve de plus de l’inévitable hommage qu’il faut rendre à Molière, et montre que, quoiqu’il arrive, il finira nécessairement par être honoré et récompensé par Pluton. Près du trône de Pluton, dans la salle où il rend sa justice, siègent trois juges qui demeurent sous son contrôle : Eaque, Rhadamanthe et Minos qui jugent aux Enfers tous les hommes. Leurs décisions sans appel sont exécutées par Némésis, déesse de la vengeance. Les âmes des bons, des sages et des vertueux, désignées par les trois juges, prennent la route des Champs Elysées, lieu de délices et de printemps perpétuel. Ses prés sont arrosés par les eaux du Léthé, fleuve qui possède une propriété souveraine : l’oubli. En boire, c’est oublier les peines et les chagrins de l’existence pour jouir d’une félicité totale. Dans ce territoire sont réunis tous les charmes et les plaisirs, et il est impossible d’espérer mieux pour reprendre une vie éternellement heureuse, remplissant l’âme de joie et de béatitudes.

Les accessoires requis pour la représentation sont, d’après le Mémoire de Mahelot, « un trône, trois tabourets, une fourche, une rame, des cloches, des baguettes, des robes de médecins²¹ ».

Les caractères et leur original moliéresque. §

Brécourt réintroduit donc sur la scène des personnages moliéresques avec leurs traits et leurs attributs comiques que le public connaît bien. Comparer les similitudes et les différences de chacun d’eux avec son original, permet aussi de voir comment ces personnages étaient considérés au XVII^e siècle, ce qui diffère parfois de la conception que l’on peut en avoir aujourd’hui. Si Brécourt cite parfois directement le texte de Molière, et cela principalement dans le rôle de Mme Jourdain, il se contente, dans l’ensemble, de reproduire les attitudes des types que Molière a attaqués. Les attitudes et les attributs de chaque personnage sont indispensables pour permettre de les reconnaître sans avoir à les présenter. C’est pourquoi, Pluton exige ceci :

Faites-les moy paroistre sous les mesmes figures qu’ils avoient en l’autre Monde, afin de les mieux discerner²².

La Prétieuse²³, sans être annoncée, est distinguée par son langange pompeux, plutôt dans le style d’un orateur pédant et grandiloquent que dans celui de Magdelon et Cathos, les précieuses ridicules de Molière, même si Brécourt reproduit le célèbre propos de Cathos sur « la forme enfoncée dans la matière ». L’attribut de ce personnage est donc, selon Brécourt, le langage et c’est ainsi que la Précieuse est présentée : à la question de Pluton qui désire savoir qui est cette ombre qui vient d’entrer, Caron répond : « Vous l’allez reconnoître à son langage²⁴ ». Sa première réplique est trufée d’adjectifs pompeux, de périphrases et de grands mots pour désigner les choses les plus banales et les plus triviales. On peut citer, pour exemple, la référence au « sens auriculaire » pour parler de l’oreille, la périphrase « sombres Habitations » pour désigner les Enfers, et les « éloquentes articulations de nos clameurs » pour mentionner les revendications des Précieuses. A Pluton qui « n’y entend goute », Caron désigne ce langage comme le « franc précieux ». Or, chez Molière le langage grandiloquent n’est pas l’attribut principal de ses précieuses. Si elles tiennent parfois un discours précieux, Molière ne le présente que par petites touches et non pas de façon si excessive. Il s’agit avant tout de deux bourgeoises qui se piquent de galanterie et de noblesse et mènent en ce sens le train de vie des dames de condition : elles ne cherchent qu’à s’entourer de gentilshommes et refusent tout commerce avec les bourgeois. Leur préciosité est un tout et se traduit tant dans l’habillement, que dans l’attitude et aussi, certes, dans le langage ridicule qu’elles emploient surtout avec leurs serviteurs pour parler de choses tout à fait banales. Et ainsi, par exemple :

Marotte  Voilà un laquais, qui demande, si vous êtes au logis, et dit que son maître vous veut venir voir.

Magdelon  Apprenez, sotte à vous énoncer moins vulgairement. Dites : “Voilà un nécessaire qui demande ; si vous êtes en commodité d’être visible.”

Marotte  Dame, je n’entends point le latin, et je n’ai pas appris comme vous, la filofie dans le Grand Cyre²⁵.

Un peu plus loin Magdelon parle du « conseiller des Grâces » pour parler du miroir, en priant Marotte de n’en pas salir la glace « par la communication de son image » ; ou encore, à la scène IX, elle demande à Almanzor de leur « voiturer les commodités de la conversation » pour désigner des sièges.

Brécourt met donc l’accent sur les quelques passages des Précieuses ridicules où elles tiennent un discours absurde pour en faire l’attribut absolu de sa précieuse. Son discours est si absurde et si obscur que Molière ne prend pas la peine de répondre à son accusation, jugeant que « cette matière est indigne de luy²⁶ ».

Le Marquis de Mascarille qui réfère seulement aux attaques sur son habillement et sa voix – Brécourt mentionne en didascalie son « ton de faucet » – donne, selon Lancaster, une idée incomplète de la satire de Molière. De fait, comme pour la Précieuse, Brécourt met l’accent uniquement sur un seul aspect du personnage, mais pas des moindres, son accoutrement ridicule. Il montre en fait la particularité principale du marquis ridicule, personnage qui revient souvent dans les comédies de Molière, et qui a souvent cet attribut-là que le public connaît bien. C’est l’un des personnages de la cour que Molière prend pour cible, notamment dans L’Impromptu de Versailles, quand il répond à Mademoiselle Molière, lassée de toujours voir représenter des Marquis :

Oui, toujours des marquis. Que diable voulez-vous qu’on prenne pour un caractère agréable de théâtre ? Le marquis d’aujourd’hui est le plaisant de la comédie, et comme dans toutes les comédies anciennes on voit toujours un valet bouffon qui fait rire les auditeurs, de même, dans toutes nos pièces de maintenant, il faut toujours un marquis ridicule qui divertisse la compagnie.

Le Marquis ne se présente d’ailleurs pas comme le Marquis de Mascarille mais comme « un de ces Marquis » que Molière a tourné en ridicule. « Mascarille » ne figure pas non plus dans le nom du personnage, excepté dans la liste des acteurs, et ainsi Brécourt ne fait pas référence à un marquis en particulier mais à tous les marquis ridicules satirisés par Molière. Pourtant, Brécourt ne le fait pas entrer sur scène avec ses rubans, ses plumes et ses « grands canons », ce qui l’oblige à préciser qui est le personnage que le spectateur, comme l’ombre de Molière, peut ne pas reconnaître. Mais dès lors qu’il a été présenté, l’entretien tourne immédiatement sur la question de son habillement. Molière veut savoir ce qu’il a fait des « grands canons » qu’il lui a donnés, ce à quoi le marquis répond :

Ils sont restez à la Porte, qui estoit trop étroite pour les faire passer²⁷.

La réplique cocasse montre bien que le marquis porte les rubans et les fanfreluches avec excès, à tel point qu’il ne peut plus passer les portes, mais Brécourt n’exploite pas d’avantage ce trait qui pourrait créer une situation éminemment comique et divertir le public. Au lieu de cela, le marquis se contente de demander justice pour ses rubans, ses plumes, sa perruque, sa calèche et son faucet que Molière a joués publiquement. Bien sûr le spectateur peut y voir un écho à la scène IX des Précieuses ridicules où Mascarille montre son habit à Magdelon et Cathos avec force détails et commentaires comiques :

Mascarille  Que vous semble de ma petite-oie ? La trouvez-vous congruante à l’habit ?

Cathos  Tout à fait.

Mascarille  Le ruban est bien choisi.

Magdelon  Furieusement bien. C’est Perdrigeon tout pur.

Mascarille  Que dites-vous de mes canons ?

Magdelon  Ils ont tout à fait bon air.

Mascarille  Je puis me vanter au moins qu’ils ont un grand quartier plus que tout ceux qu’on fait.

Magdelon  Il faut avouer que je n’ai jamais vu porter si haut l’élégance de l’ajustement.

Mascarille  Attachez un peu sur ces gants la réflexion de votre odorat.

Magdelon  Ils sentent terriblement bon.

Cathos  Je n’ai jamais respiré une odeur mieux conditionnée.

Mascarille  Et celle-là ?

Magdelon  Elle est tout à fait de qualité ; le sublime en est touché délicieusement.

Mascarille  Vous ne me dites rien de mes plumes, comment les trouvez-vous ?

Cathos  Effroyablement belles.

Mascarille  Savez-vous que le brin me coûte un louis d’or ? Pour moi j’ai cette manie, de vouloir donner généralement, sur tout ce qu’il y a de plus beau.

Magdelon  Je vous assure que nous sympathisons vous et moi ; j’ai une délicatesse furieuse pour tout ce que je porte ; et jusqu’à mes chaussettes, je ne puis rien souffrir qui ne soit de la bonne ouvrière.

Le spectateur du XVII^e siècle, semble donc ne retenir du marquis que sa mise ridicule, c’est-à-dire son habit où se mêlent plumes, rubans et fanfreluches avec démesure, excès de préciosité et manque de goût. Une fois cela montré, le marquis est vite renvoyé.

Le Cocuimaginaire « n’essaye pas, dit Lancaster, d’imiter le personnage de Sganarelle²⁸, il se contente de porter plainte contre Molière pour avoir révélé les secrets de sa vie conjugale et, par conséquent, d’avoir privé les maris de leur sentiment innocent de sécurité²⁹ ». Le cocuage est l’un des nombreux thèmes abordés par Molière dans ses comédies, mais malgré la longue tirade du Cocu, qui montre bien que certains maris, comme Sganarelle, s’affolent inutilement et sont victimes des apparences parce qu’il portent en eux la phobie du cocuage, comme l’exprime l’expression « Cocus de Pere en Fils », Molière ne semble, encore une fois, pas éprouver le besoin de se justifier. Est-ce pour prouver au spectateur que Molière n’a pas besoin de se défendre face à des personnages qui se condamnent eux-mêmes par leurs propos, et par conséquent qu’il a eu raison de ridiculiser, ou est-ce parce que Brécourt se contente de faire paraître ces personnages, qui accomplissent chacun leur petite prestation, au détriment de l’action ? Quoiqu’il en soit, Brécourt fait ainsi répondre Molière à Pluton qui lui demande ce qu’il a à dire là-dessus :

Rien ; je passe condamnation pour les Cocus, et j’ay trop mal reüssy dans cette affaire pour me pouvoir défendre. Quelque soin que j’aye pris de faire horreur du Cocuage, j’avouë de bonne-foy que c’est un vice dont je n’ay pû corriger mon siècle.³⁰

Nicole est aisément et principalement reconnaissable à son irrépressible rire. C’est le personnage type de la servante truculente et audacieuse qui ne se gêne pas pour dire haut et fort ce qu’elle pense de ses maîtres et de leur comportement. Elle est à mettre sur le même plan que le personnage de Dorine dans Tartuffe. Cependant, ce n’est pas cet aspect-là que montre Brécourt puisqu’elle entre sans maître. L’accent est porté sur son rire communicatif, comme l’indique la didascalie « riant à gorge déployée », qui fait écho à l’acte III, scène I, du Bourgeois gentilhomme où Nicole se moque de la mise ridicule de M. Jourdain et ne parvient pas à réprimer son rire durant toute la scène. Là encore Brécourt ne présente qu’un aspect du personnage, mais peut-être est-ce encore la vision qu’en garde le public du XVII^e siècle. Dans l’économie de la pièce, elle prend ici le rôle, décrit par Molière, du valet bouffon qui fait rire les auditeurs. Son personnage est comique, et bouffon à la fois, car elle se moque de tout, même de sujets graves tels que la mort dont elle vient donner une vision plaisante et positive.

C’est que, dit-elle à Molière, vous m’avez appris à me moquer de tout : Et puis franchement je ne suis pas trop fâchée d’estre icy, et je ne trouve point que la Mort soit si dégoûtante que l’on se l’imagine³¹.

Comme elle offense Pluton en se moquant de lui et de son Royaume, il n’est pas nécessaire pour Molière de répliquer, et on lui fait quitter la scène de force.

Pourceaugnac est reproduit avec plus d’exactitude dans sa simplicité provinciale et rurale. C’est un personnage également ridicule qui fait rire tous ceux qui le voient à cause de ses manières rustres et de sa physionomie qui semble détoner avec le bon ton parisien. De fait, dans Monsieur de Pourceaugnac, avant même son entrée en scène, Nérine s’exclame : « Ah ! comme il est bâti ! » Puis, à peine arrivé dans la rue, les badauds se mettent à rire et à se moquer de lui. Sbrigani attire l’attention sur sa mine et sa physionomie ridicules en décalage total avec le bon ton. « Pour moi, dit Pourceaugnac, j’ai voulu me mettre à la mode de la cour pour la campagne. […] L’habit est propre et riche, et il fera du bruit ici »³². Il n’est pas besoin de préciser ce que ces propos contiennent comme double sens et comme dimension ironique et satirique, le bruit dont il est question ayant déjà été produit par le rire des badauds. Sbrigani fait aussi allusion à la rustrerie de ses manières en rappelant ironiquement « la grâce avec laquelle il mange son pain ». Brécourt rappelle tous ces éléments de la personnalité de Pourceaugnac à travers les répliques, elles aussi ironiques, de Molière qui l’a « déterré du fond du Limousin » et a rendu son nom immortel au point que « dés qu’il arrive en France quelqu’un qui ait tant-soit-peu de son air, de ses gentillesses, et de ses petites façons de faire, fut-ce un Prince, ne dit-on pas, voila un vrai Pourceaugnac ? » Là non plus il n’est pas besoin de traduire l’ironie de Molière, le double sens de ses propos est assez évident. Molière manipule donc habilement Pourceaugnac en satisfaisant tellement sa vanité que c’est lui qui doit finalement lui demander pardon, pour l’avoir accusé injustement. Le retournement de situation est assez plaisant puisqu’il était dans la position du plaignant au départ. Il quitte donc la scène pour aller boire avec son « Cousin l’Assesseur » et son « Neveu le Chanoine » quelques « Verres d’Oubly », probablement puisés dans le Léthé, pour ne plus se souvenir du passé.

Mme Jourdain est, pour sa part, identifiable à son discours abrupt, son habitude d’inverser ses phrases comme, par exemple « J’aurois beau me plaindre, beau me plaindre j’aurois », et sa façon de faire rimer ses répliques sans que cela ait un quelconque rapport avec le dialogue :

Moliere  Madame Jourdain est un peu en courroux.

M^e Jourdain  Oüy, Jean Ridoux.

Pluton  Courage. Hé bien, qu’avez-vous à me dire ?

M^e Jourdain  Oüy, qu’avez-vous à me frire³³ ?

Brécourt, plus que pour les autres personnages, reprend quelques répliques qu’elle tient dans Le Bourgeois gentilhomme et notammant son expression « j’ai la tête plus grosse que le point, et si elle n’est pas enflée », ou encore la réponse comique qu’elle donne à Molière qui lui demande comment elle est ici : « Sur mes pieds comme une Oye ». Cependant, il paraît étonnant de faire de Mme Jourdain un personnage ridicule, elle qui passe pour la voix de la raison et de la sagesse face à la folie bouffonne de M. Jourdain. Est-elle considérée ainsi au XVII^e siècle ? Certes, le personnage est comique, dans Le Bourgeois gentilhomme, lorsqu’elle parle d’elle à la troisième personne, « Madame Jourdain se porte comme elle peut », inverse ses phrases, « Oui vraiment, nous avons fort envie de rire, fort envie de rire nous avons », et donne à entendre son langage prosaïque et son discours abrupt en opposition avec le discours galant que tient Dorante. Or, ces procédés, elle ne les emploie qu’avec Dorante pour se moquer de lui qui essaye de tromper et de cajoler les gens par de belles paroles. D’ailleurs, lorsque Mme Jourdain parle d’elle à la troisième personne, c’est pour pasticher Dorante qui s’adresse à elle avec cette même troisième personne : « Et Madame Jourdain que voilà, comment se porte-t-elle ? » De même lorsqu’elle répond à Dorante qui lui demande comment se porte sa fille, « elle se porte sur ses deux jambes », c’est pour montrer son agacement et le fait qu’elle n’est pas dupe de ses minauderies et de l’attention hypocrite qu’il lui porte. Brécourt porte donc à l’excès ses procédés langagiers qu’elle emploie consciemment pour se moquer des façons et des cajoleries hypocrites de la noblesse. Il est néanmoins vrai qu’à chaque fois qu’elle prend la parole, dans la comédie de Molière, elle adopte un ton acerbe pour tout critiquer, et cela avec raison, et que son discours terre à terre et prosaïque détone avec le langage galant et précieux que tiennent M. Jourdain et Dorante, l’un de façon ridicule, l’autre avec hypocrisie. Mais ce n’est pas pour autant que le lecteur contemporain la considère come un personnage ridicule, alors qu’il semble en aller tout autrement pour le spectateur du XVII^e siècle. Ainsi l’on voit, à travers la présentation de ces différents personnages que la perception que l’on peut en avoir évolue avec le temps. Cela peut venir du fait que le public de l’âge classique est avant tout spectateur et auditeur, tandis que nous sommes, nous contemporains, avant tout des lecteurs et que nous n’avons pas eu le privilège de voir l’interprétation originale des personnages moliéresques. Ainsi, nous nous forgeons diverses interprétations à partir de plusieurs hypothèses, sans savoir vraiment laquelle est véritable.

Les quatre médecins, qui sont un écho direct à ceux de L’Amour médecin, sont présentés simplement comme des accusateurs. C’est contre eux que l’ombre de Molière dirige toute son énergie et ainsi un véritable dialogue peut s’ouvrir comme il l’annonce d’emblée à l’ouverture de la scène :

Ha, voicy de mes Gens. Ecoutons les parler, et puis nous répondrons³⁴.

Tout se passe comme s’il avait fallu attendre la scène XIII pour que le sujet soit enfin digne de Molière. Pluton s’exclame même : « Ah ! voici une Conversation raisonnable celle-cy. » De fait, c’est à eux qu’il répond le plus abondamment et c’est seulement à leurs accusations qu’il éprouve le besoin de se défendre et de se justifier. Brécourt se fait le successeur de Molière dans la satire qu’il dresse contre les médecins. Leur présentation est comique et les condamne aussitôt car, avant même leur apparition sur la scène, Pluton les désigne comme ceux qui « ont augmenté le nombre de ses Sujets », leur en devant ainsi « une ample reconoissance ». Les médecins sont donc ici, comme chez Molière, présentés comme ceux qui donnent la mort par leur incapacité et leurs mauvais remèdes ainsi que par leurs tergiversations incessantes autour d’une même maladie, chacun l’interprétant et l’expliquant d’une façon différente, le malade finissant par mourir pendant leur querelle, faute d’avoir été soigné à temps. M. Tomès, l’un des quatre médecins de L’Amour médecin, se vante même de ceci devant son confrère qui lui explique qu’il « faut toujours garder les formalités » :

Pour moi, j’y suis sévère en diable, à moins que ce soit entre amis ; et l’on nous assembla un jour, trois de nous autres, avec un médecin de dehors, pour une consultation, où j’arrêtai toute l’affaire, et ne voulus point endurer qu’on opinât, si les choses n’alloient dans l’ordre. Les gens de la maison faisoient ce qu’ils pouvoient et la maladie pressoit ; mais je n’en voulus point démordre, et la malade mourut bravement pendant cette contestation³⁵.

Et il ajoute plus loin qu’ « un homme mort n’est qu’un homme mort, et ne fait point de conséquence ; mais une formalité négligée porte un notable préjudice à tout le corps des médecins » ! Molière, dans sa pièce est catégorique et virulent dans ses attaques à leur égard et fait dire à Lisette « qu’il ne faut jamais dire : “Une telle personne est morte d’une fièvre et d’une fluxion sur la poitrine” ; mais : “Elle est morte de quatre médecins et de deux apothicaires.” »

Brécourt reprend de façon plaisante et originale toutes les attaques de Molière, puisque Pluton fait l’éloge des médecins et de tous leurs procédés, mais le spectateur comprend bien la dimension ironique et satirique de ses propos puisque c’est pour augmenter le nombre des morts aux Enfers ! Ainsi, aux médecins qui lui démontrent leur « obéissance et fidélité », Pluton répond :

J’en suis persuadé. L’Opium, l’Emétique, et la Saignée, m’ont rendu témoignage que vous m’avez fidellement servy³⁶.

Comme Molière, Brécourt accuse la médecine « d’imposture et de Charlatanerie », ce à quoi Pluton répond avec humour : « C’est donc quelqu’un qui la connoît » ! L’accusation étant grave, et le sujet si important, il est nécessaire pour Molière de justifier le bien fondé de sa satire. Néanmoins, Brécourt prend soin de préciser que Molière ne prétend pas « se déchaîner » contre le « grand art de la Medecine », car il en « adore l’étude », en « révère la judicieuse pratique », mais il « en abhorre et déteste le pernicieux et meschant usage qu’en font par leur négligeance des Fourbes ignorans, que la seule Robe fait appeller Medecins ; et ce n’est qu’à ceux qui abusent de ce nom » qu’il va répondre. Molière condamne donc ceux qui abusent de leur robe, les querelles des uns envers les autres à propos des diagnostics et des traitements, ce qui prouve bien leur ignorance, leurs remèdes et leurs drogues plus à même de faire mourir que de guérir, la légèreté avec laquelle ils jouent avec la vie de leur malade pour « hazarder effrontément toutes les épreuves que leur suggèrent leurs ambitieuses imaginations », et, enfin, il donne l’exemple concrêt d’un malade qu’un médecin a précipité dans la mort. Or, devant les arguments de celui-ci Pluton, qui défendait les médecins, ne peut que donner raison à Molière. Lui-même connaît les effets néfastes de leur médecine, mais s’en accomodait puisque cela servait ses intérêts. C’est ainsi qu’il fait pencher la balance du côté de Molière et, « pour faciliter l’affaire », il préfère « relâcher de ses intérests » et consentir que les médecins lui envoient « quelques millions de Morts moins qu’à leur ordinaire ». Les médecins refusant le verdict, Pluton souffle sur leurs ombres pour les faire disparaître et termine la scène en rendant hommage à Molière par un petit Poème.

L’intertextualité dans L’Ombre de Moliere §

Brécourt fait aussi référence, dans une moindre mesure, aux Fâcheux de Molière, à l’opéra de Quinault, ainsi qu’à sa tragédie en musique, Alceste. L’allusion aux Fâcheux est évidente à la scène VI lorsque Pluton parle du « plus fâcheux de tous nos Morts. Un chasseur ». Or, dans Les Fâcheux, Molière présente le personnage du chasseur « qui ne parle à tout le monde que de gaulis, de gigots, de pieds, de croupe, et d’encolure ».

Il dirige également une satire contre Quinault, notamment à la scène II, où il est représenté par le personnage du poète Doucet qui se lamente sur sa place parmi les ombres. Il s’agit peut-être, selon Lancaster³⁷, d’une allusion au fait que ce dramaturge, bien que toujours vivant, ne contribue plus beaucoup à la création dramatique puisqu’il ne compose pour aucune scène, excepté celle de l’opéra. D’où l’idée, lancée par Brécourt, que son Génie erre parmi les ombres et n’est pas reconnu. En outre, Brécourt rappelle, par le choix du nom « Doucet », un trait de caractère bien connu de Quinault qui passait, disait-on au XVII^e siècle, « pour la douceur même ». Fournel montre que la réplique, « Helas, Caron ! helas ! » est une reprise de son Alceste. Quinault est accusé d’avoir fait des héros grecs « de forts jolis Garçons » et ceux-ci semblent, dans son son œuvre, « dignes d’un divertissement de carnaval », critique que semble apprécier Boileau, ajoute Fournel.

La référence à Quinault se poursuit avec l’introduction de la danse et de la musique sur la scène. La danse est introduite dans la première scène avec les deux ombres qui, « en dansant, apportent chacune un morceau de tout ce qui peut former un Tribunal ». Lancaster ajoute, mais cela n’est pas certifié dans le texte, que la musique apparaît à la fin de la pièce où l’on entend « un carillon avec des cloches qui s’accordent avec les violons³⁸ ». Cela n’apparaît pas dans la didascalie, il s’agit peut-être d’un remaniement ou d’un rajout lors des représentations ultérieures à la Comédie Française, mais c’est la seule source qui semble le mentionner. Dans cette version-là, Caron, Pluton et plusieurs ombres prennent part au dialogue, pendant que Radamante et Minos réclament le silence.

La réception de la pièce. §

L’Ombre de Molière a remporté un vif succès auprès du public du XVII^e siècle, comme l’assurent Lancaster et Lemazurier même s’ils nuancent tous deux leur propos. Lemazurier est acerbe dans ses remarques à propos des comédies de Brécourt puisqu’en parlant de leurs succès, il estime que « cela pourrait surprendre si l’on ne se rappelait pas qu’à la même époque le Régulus de Pradon réussissait sur le même théâtre où se jouaient les chef d’œuvre de Corneille et de Racine ». En ce qui concerne L’Ombre de Moliere, il écrit : « On la trouve dans les premières éditions des Œuvres de Molière ; mais, comme elle est bien peu digne d’un pareil honneur, les derniers éditeurs se sont bien gardés d’imiter en cela leur devanciers »³⁹. Ce jugement négatif du début du XIX^e siècle prouve encore une fois pourquoi on a retenu si peu d’œuvres et d’auteurs du XVII^e siècle, puisque l’on considère qu’il n’y a pas de grands auteurs autres que Molière, Corneille et Racine. Finalement, cela revient à dire qu’en dehors de ces trois auteurs, point de théâtre.

Lancaster estime pour sa part que l’appréciation de la pièce et son succès sont principalement dus au lien étroit qu’elle noue avec Molière, ce qui est bien assez fort pour lui offrir quelque succès.

La pièce est mentionnée dans Le Mercure Galant d’octobre 1677 parmi plusieurs pièces récemment jouées à la cour. Sa première représentation à la Comédie Française est datée du 23 septembre 1682 et elle est reprise vingt fois entre 1682 et 1698.

Note sur la présente édition §