L’auteur §

Nous possédons peu d’informations sur la vie de Nicolas Marc Desfontaines tout comme sur la réception de ses pièces et sur ses qualités d’acteur et de dramaturge. Nous savons qu’il commença sa carrière d’auteur vers 1637 avec Eurymédon, suivi de quelques autres pièces dont Les Galantes vertueuses, imprimée en 1642. Nous pouvons penser que ses talents étaient reconnus par ses contemporains puisqu’il fréquenta la Troupe Royale qui joua La Vraie suite du Cid (1638), la troupe de Charles Dufresne, pour qui il créa Bélisaire (1641), puis celle de Molière lorsqu’il monta à Paris. D’autre part, pour l’ouverture de l’Illustre Théâtre, le 1er janvier 1644, c’est l’une de ses pièces Alcidiane ou les quatre rivaux que l’on représenta. Par la suite, Desfontaines reprit sa vie de comédien ambulant au cours de laquelle il écrivit encore quelques pièces dont Perside ou la suite d’Ibrahim Bassa (1644), L’Illustre comédie ou le Martyre de saint Genest (1645), La véritable Semiramis (1647). Il meurt à Anger en février 1652¹.

En fait, même si Desfontaines est un auteur oublié aujourd’hui, il était un comédien et dramaturge reconnu au XVIIème siècle. Il savait en effet conquérir son public grâce à son savoir faire en matière de spectaculaire et a ainsi tiré parti du goût de l’époque pour un théâtre du mouvement.

La réception de la pièce §

En ce qui concerne Bélisaire, mis à part le fait qu’il a été créé pour la troupe de Charles Dufresne, nous n’avons aucun indice sur sa réception par le public et la critique. Nous pouvons néanmoins faire une hypothèse : il se pourrait que le Bélisaire de Desfontaines ait été repris par la troupe de Molière vers 1643 et par concurrence, l’Hôtel de Bourgogne aurait commandé à Rotrou un autre Bélisaire. Un élément pourrait conforter cette hypothèse : les deux troupes sont chacune spécialisée dans un genre et la différence fondamentale entre les deux pièces est précisément le genre dramatique puisque le Bélisaire de Desfontaines est une tragi-comédie alors que celui de Rotrou est une tragédie.

Le contexte de création §

Le XVIIème siècle est l’âge d’or du théâtre français. C’est surtout à partir de 1628-1630 que le raffermissement politique permet l’installation à Paris de deux troupes permanentes. Le nombre des dramaturges et la production annuelle des pièces s’élèvent. On voit apparaître un public cultivé, affiné par les salons. Les patronages aristocratiques protègent les comédiens, encore excommuniés, contre les attaques de l’Église. En 1630, la France s’inspirait encore étroitement de l’Espagne et de l’Italie. En 1680, son théâtre est répandu dans toute l’Europe. C’est dans ce climat très favorable au théâtre que la tragi-comédie va connaître une vogue inouïe, vers 1631-1642².

La tragi-comédie est un genre neuf, issue de deux traditions qui lui apportent chacune leur caractéristique propre. Tout d’abord, elle tient des Mystères du Moyen Âge l’importance du mouvement : les obstacles que rencontrent les amoureux permettent de rompre la monotonie de l’intrigue, plaisent aux spectateurs qu’ils touchent et frappent par des coups de théâtre et des péripéties. D’autre part, le grand sujet de la tragi-comédie est l’amour, puisé directement dans le genre pastoral. Mais, ce grand théâtre ne réside pas dans la peinture de l’amour ; il doit reposer sur l’intrigue, sur la manière plus ou moins habile par laquelle l’auteur parviendra au but connu d’avance (dénouement heureux pour le héros) et redonnera à chacun son ancien amour ou celui qui lui convient, selon les lois de l’amour et de la société.

Outre ces deux éléments capitaux que sont le mouvement et l’intrigue amoureuse, la tragi-comédie cherche à s’adapter au nouveau public composé d’« honnetes gens » et met donc en scène des héros aux valeurs nobles, telles que la générosité, le courage et l’honneur. La générosité est cette grandeur d’âme qui permet d’adoucir la colère, de pardonner et de reconnaître ses erreurs. Le courage, quant à lui, est mis à l’épreuve dans le duel, dont la tragi-comédie est friand. Il vérifie la conduite du gentilhomme : c’est à se battre que songe l’amoureux malheureux pour se valoriser auprès de sa maîtresse et de sa famille à qui il veut plaire et montrer sa vaillance. Le courage et l’honneur sont incontestablement des vertus nobles qui peuvent quelques fois faire pardonner certains défauts comme l’ambition et l’intérêt, ce dont se serviront les dramaturges pour construire leurs intrigues. Ce succès de la tragi-comédie s’explique donc par le fait que ce genre répond à l’attente du public.

Les sources et leur utilisation §

Comme la plupart de ses contemporains, Desfontaines va trouver sa source dans la comedia espagnole qui commence à prendre beaucoup d’ampleur en Europe. C’est la pièce El ejemplo major de la desdicha o el capitan Belisario (1627) de Mira de Mescua qui lui donne non seulement l’idée même du sujet mais aussi la plus grande partie des péripéties. L’auteur espagnol avait lui même puisé son sujet dans les Anecdotes de Procope de Césarée, secrétaire de Bélisaire. Ce célèbre Général des armées de Justinien au VIème siècle a renouvelé les exploits d’Alexandre le Grand et de César en portant les armes de Byzance en Orient et en Occident. Mais en littérature, il a été célébré moins par ses triomphes militaires que comme le symbole de l’inconstance de la fortune. Il connut en effet les plus grands honneurs : c’était un modèle de bravoure, de générosité et de dévouement. Il demeura le plus fidèle et le plus loyal sujet de Justinien. Mais il perdit, à plusieurs reprises, les bonnes grâces de l’empereur qui, jaloux de son succès, l’accusa de complot pour le faire passer du commandement suprême de l’armée aux misères de la prison. Mira de Mescua s’est basé sur cet ouvrage de Procope, y a pris les noms et caractères des personnages principaux, idéalisant Bélisaire et utilisant les mésententes entre Antonia, épouse de Bélisaire, et l’impératrice Théodore. Mais il a aussi utilisé la légende de Bélisaire aveugle. Dès le Xème siècle, il courait sur Bélisaire dans le monde byzantin des histoires qui contaient ses misères et comment le général, aveuglé par la cruauté de l’Empereur, avait été réduit à tendre la main comme un mendiant. C’est ainsi que le Bélisaire espagnol meurt sur scène le sang lui coulant par les yeux, innocent malheureux devant la colère de Justinien. Se fiant ainsi au récit de Procope, Mira de Mescua met en relief les infortunes du héros qu’il attribue à la haine de Théodore.

De son côté, dans la mesure où il a voulu faire de Bélisaire un héros tragi-comique pour répondre au goût du public, Desfontaines va devoir changer le dénouement et certains éléments. Il puisera chez Procope de nouvelles données par rapport à celles de l’auteur espagnol : au lieu de prendre appui sur la légende, il va rechercher la vérité historique de la remise en grâce de Bélisaire par Justinien lui-même, corrigeant ainsi son erreur et rétablissant l’innocence de son fidèle sujet. Mais en plus de la transformation de la fin mortelle pour le héros en une issue dans laquelle il garde la vie, il faut un dénouement nuptial, simple ou double, conformément à la règle de la tragi-comédie. Desfontaines, afin d’aboutir à une telle fin, va alors rajouter un épisode amoureux entre deux personnages, historiques eux aussi, Amalazonthe et Vitigés. Si dans un premier temps il s’était montré plus fidèle à l’histoire du peuple byzantin en rétablissant la vérité sur la disgrâce de Bélisaire, il va faire lui aussi une entorse à l’histoire en inventant une relation amoureuse entre Amalazonthe et Vitigés. Il était, en effet, admis au XVIIème siècle qu’il fallait combler les « trous de l’histoire » pour adapter le sujet au goût des contemporains. Grâce à ce premier aperçu, nous pouvons repérer les transformations essentielles qu’a apportées Desfontaines. Si le sujet reste profondément le même (Théodore, jalouse de la gloire de Bélisaire veut sa perte et pour cela engage plusieurs personnes pour le tuer), l’issue est totalement renversée : Bélisaire meurt, chez l’auteur espagnol, alors qu’il se marie avec Sophie dans la pièce française. Par ailleurs, l’intrigue amoureuse est très différente entre les deux oeuvres : d’un côté les deux amants s’aiment d’un amour réciproque mis en péril par Théodore, de l’autre Sophie aime Bélisaire mais n’est pas aimée en retour, ce dernier en aimant une autre.

Nous allons maintenant comparer, de façon plus systématique, les deux pièces en partant d’El ejemplo mayor de la desdicha³.

Action et structure §

« La tragi-comédie, mettant en péril la vie ou le bonheur des protagonistes, est un genre sérieux, admettant le tragique et le pathétique, mais dont le dénouement est généralement satisfaisant pour les héros. »⁴ Telle est la définition que nous donne R. Guichemerre et qui s’applique très bien à Bélisaire d’autant plus que le modèle est une tragédie et que la création de Desfontaines tient dans le dénouement heureux. Notons aussi que la part du comique est absente ; le sujet de l’innocence malheureuse et de Bélisaire est indéniablement tragique : l’empereur disgracie son favori et le menace d’une peine plus grande alors même qu’il est innocent de cet amour coupable dont l’accuse l’impératrice. Mais si le sujet est tragique, Desfontaines en a fait une tragi-comédie et c’est là toute la gageure de la transformation, d’autant plus que Bélisaire répond très bien à l’esthétique de ce genre du XVIIème siècle du point de vue de l’intrigue et de ses composantes, mais aussi de l’esthétique dite « romanesque ».

Tout d’abord, ce qui caractérise la tragi-comédie tout comme la tragédie, c’est que le sujet concerne des personnages de rang élevé : Bélisaire a pour protagonistes un grand nombre de rois et de reines, de princes et de princesses, de soldats de haut rang ; seul deux personnages sont de moins bonnes conditions, Diophante, confident de Bélisaire, et Doristel, simple soldat. Cependant, même s’il s’agit de personnages nobles et historiques, la tragi-comédie ne s’intéresse qu’à leurs passions et à leurs problèmes sentimentaux ; en d’autres termes, elle représente des « aventures privées »⁵, ce qui la distingue principalement de la tragédie. On comprend pourquoi Desfontaines a réduit la question politique à sa simple expression.

Nous somme, en effet, d’un point de vue de la morphologie, en présence d’une tragi-comédie de palais mélangeant le problème politique au thème traditionnel des amours contrariées : Théodore manigance la perte du favori de Justinien pour se venger de ce qu’elle appelle son mépris. Et en même temps, elle fait tout pour séparer les deux amants, Sophie et Bélisaire. L’agencement des événements est également caractéristique : le désir de vengeance engage un complot, qui aboutit au guet-apens et aux différentes tentatives de meurtre qui échouent et ouvrent sur l’emprisonnement puis sur le dénouement. De même, les quiproquos sur l’identité du commanditaire sont présents dans beaucoup de tragi-comédies. Cela vaut aussi pour la relation nécessaire entre obstacle et     dénouement : vouloir la mort de Bélisaire n’a de sens que s’il est sauvé in extremis, remis en grâce et marié à la nièce de l’empereur.

Du point de vue de sa structure, Bélisaire est une tragi-comédie tout à fait conforme aux autres pièces de l’époque. Déjà la répartition de 1818 vers sur 36 scènes en cinq actes est courante. Mais c’est surtout au niveau de l’action et de la relation entre les personnages que Bélisaire est caractéristique de l’esthétique de ce genre dramatique. L’action est centrée sur le trio Bélisaire-Sophie-Théodore autour desquels gravitent des personnages souvent seuls, excepté le couple Amalazonthe-Vitigés. Cette concentration sur ces trois personnages se retrouve au niveau de la répartition des scènes : le personnage éponyme est sans aucun doute le rôle principal puisque non seulement il occupe le plus souvent l’espace scénique (18 fois) mais aussi le temps de parole (538 vers) ; Théodore apparaît 14 fois contre 12 pour Sophie⁶. Cette répartition reste conforme à la pièce espagnole mais il y a une exception qui concerne l’empereur comme nous en avons parlé dans le début de cette étude : son nombre d’apparitions passe de 20 à 4. Nous reviendrons sur le nouveau rôle de Justinien dans la pièce française.

Par ailleurs, en plus de la violence sur scène (multiplication des tentatives de meurtre, un guet apens) les relations entre les personnages sont mouvementées, ce qui transparaît jusque dans le discours. Même s’il n’y a jamais plus de trois personnages par scène (sauf pour les assemblées du début et de la fin) l’intrigue avance et le texte est le lieu de véritables conflits. En effet, le théâtre est, de façon apparemment contradictoire, essentiellement action mais est constitué presque exclusivement de discours : parler devient nécessairement agir. Les discours ne sont point générés par l’éloquence de l’auteur, mais par le besoin qu’a le personnage, dans les circonstances où il se trouve, de dire ce qu’il dit. Desfontaines a ainsi appliqué cette définition « le verbe est action » et a donc multiplié les tête-à-tête entre les personnages amoureux (Bélisaire-Amalazonthe, III, 3 ; Amalazonthe-Vitigés, IV, 1 ; Bélisaire-Sophie, IV, 2 ; Bélisaire-Sophie, V, 9). On rencontre aussi de nombreux monologues dans lesquels chaque personnage expose son état d’âme, le dilemme auquel il est confronté tout en charchant à le résoudre et fait ainsi avancer l’action. Cette forme de discours n’est d’ailleurs pas ici réservée aux personnages principaux : Bélisaire en prononce quatre dont deux en stances, Théodore trois et même Narsés et Iskirion s’interrogent seuls sur scène.

D’autre part, il convient de prêter attention à la répartition des scènes. Bélisaire se caractérise par une structure répétitive due aux nombreuses tentatives de mettre fin aux jours de Bélisaire. On obtient alors le schéma suivant :

• – Théodore demande de tuer Bélisaire : 1/ à Narsés (I, 2), 2/ à Iskirion (III, 1), 3/ à Doristel (IV, 4), 4/ Théodore décide d’agir seule (V, 7),
• – le mandataire s’interroge : 1/ monologue de Narsés (I, 4), 2/ monologue d’Iskirion (III, 2), 3/ -, 4/ -,
• – puis tente le forfait : 1/ guet-apens contre Iskirion pour protéger Bélisaire (II, 3), 2/ Iskirion vient dans le cabinet de Bélisaire (III, 6), 3/ Doristel s’approche quand Bélisaire dort (IV, 5), 4/ Théodore rentre dans la cellule de Bélisaire (V, 11)
• – et échoue à cause de la générosité de ce général : 1/ Narsés se fait tuer car Béliaire prend la défence d’Iskirion (II, 4), 2/ Iskirion reconnaît l’homme qui lui a sauvé la vie (III, 6), 3/ Doristel lit que Bélisaire l’a nommé pour mener la campagne d’Italie (IV, 5), 4/ Théodore finit par reconnaître que Bélisaire, en refusant son amour, l’a servie et lui a rendu son honneur sauf.

Sur cet enchaînement répétitif des péripéties, se répartissent les dialogues amoureux qui mettent en place les relations entre les personnages : Bélisaire-Amalazonthe (III, 3), Amalazonthe-Vitigés (IV, 1), Bélisaire-Sophie (IV, 2), Bélisaire-Sophie (V, 10, 11). On a alors deux mouvements un peu paradoxaux : l’un est itératif, l’autre est une progression linéaire qui atteint son point culminant dans la scène 2 de l’acte IV. Ce face à face entre Bélisaire et Sophie est une scène capitale puisqu’elle apporte une preuve de l’impossibilité de voir les deux amants réunis à la fin. Dès lors, on va avoir un Bélisaire réaffirmant son amour pour Amalazonthe et croyant Sophie coupable des tentatives d’assassinat et une Sophie au désespoir qui va faire part à Théodore de sa douleur devant l’accusation de Bélisaire ; grâce à quoi l’impératrice va pouvoir rendre Bélisaire coupable aux yeux de Justinien. On a alors une accélération à l’acte V avec la visite de Sophie en prison, la tentative de Théodore de tuer Bélisaire et enfin son repentir ce qui permet un retournement in extremis (ce qui explique aussi l’étalement de l’acte V sur 13 scènes).

Si l’on regarde du côté de l’action, on constate que cette tragi-comédie reprend la structure des relations issue du genre pastoral, comme en témoigne la chaîne amoureuse : Théodore est jalouse de Sophie qui aime Bélisaire qui aime Amalazonthe qui aime Vitigés et en est aimée. Toute l’action est déterminée par cette structure : chaîne amoureuse à cinq personnages, jalousie et tentative de tuer le rival (ici Bélisaire), désir de vengeance et impossibilité pour le couple de trouver le bonheur. En plus, d’autres rivaux apparaissent au fur et à mesure, ceux-là même qui sont engagés par Théodore pour se venger et qui sont promis à Sophie s’ils accomplissent leur forfait.

On est là dans une structure à opposant unique puisque Théodore s’obstine à vouloir tuer le héros. Cette solitude, renforcée par sa place en bout de chaîne, nous donne l’impression qu’elle est comme un élément extérieur, d’autant plus que c’est d’elle que dépend l’action : elle ne peut supporter que Bélisaire l’ait méprisée et, guidée par l’honneur, elle décide de mettre fin à ses jours. On n’assiste pas au schéma traditionnel qui veut que l’obstacle entre les deux amants soit l’autorité du père : la seule autorité de la pièce est celle de Justinien qui n’agit ici ni en père, ni en rival, ni en amoureux mais en juge (d’où son nombre d’apparitions très réduit et principalement dans des scènes de jugement). Cette construction ne diffère en rien d’une route parcourue et poursuivie au fur et à mesure des étapes franchies.

Mais on peut noter aussi que le noyau de la pièce est négatif : c’est le refus de Bélisaire qui guide Théodore dans son dessein, le refus d’Amalazonthe plonge Bélisaire dans le désespoir, le refus de Bélisaire devant l’amour de Sophie la décourage et la déroute à tel point que le héros va la croire responsable d’une tentative de meurtre. C’est ainsi que la chaîne amoureuse ne se résoudra que si le non de Bélisaire pour Sophie devient un oui et si Théodore quitte son triste combat.

D’où l’importance du dénouement in extremis digne d’une pastorale et de la tragi-comédie puisqu’on assiste au changement d’attitude au dernier moment de l’impératrice qui se repent et à un amour soudain de Bélisaire pour Sophie (V, 10). Dès lors, l’empereur reconnaît l’innocence de son général d’armée et lui permet ainsi d’épouser sa nièce : l’obstacle qu’était Bélisaire entre Amalazonthe et Vitigés est ainsi levé et ils peuvent aussi s’unir selon le voeu de l’empereur. Quant à Iskirion, rival le plus inquiétant au départ pour Sophie et Bélisaire, il fait preuve de générosité et organise l’union des deux amants tout en acceptant de rester seul. Ce n’est pas pour autant que le dénouement reste inachevé : ce personnage choisit cette fin et se met ainsi à leur service.

Spectacle et mise en scène §

Il existe au XVIIe siècle une véritable passion du spectacle : le public veut être étonné, émerveillé par ce qu’il voit. Pour satisfaire cette passion populaire, on écrit de nombreuses pièces dont le succès considérable est dû en partie « au superbe appareil de la scène ». Et même si l’évolution du théâtre va limiter la part de l’élément spectaculaire dans les pièces à partir de 1639-1640 pour tendre vers une action restreinte dans le temps et l’espace avec une concentration de l’intérêt sur la psychologie des personnages, Desfontaines déroge à la règle et donne une très belle place au spectacle.

Ce spectacle passe d’abord par le décor. Il existe au XVIIe siècle un système de décoration complexe l’hérité du Moyen Age : le décor médiéval à compartiments, utilisé dans la représentation des Mystères, s’est adapté à la taille des salles de jeu de paume et aux scènes de théâtre comme l’Hôtel de Bourgogne. L’idée de ce décor est un décor multiple représentant, soit par des compartiments, soit par des espaces conventionnels, des lieux en réalité très éloignés les uns des autres. L’utilisation de cette technique ne fait aucun doute pour notre pièce mais nous n’avons aucun témoignage sur ce qu’a été le décor de Bélisaire. Nous ne pouvons pas non plus nous aider du registre de l’Hôtel de Bourgogne où a été représenté le Bélisaire de Rotrou : Mahelot n’y fait pas allusion, certainement par oubli⁷, et si le décorateur Laurent évoque un Bélisaire, Lancaster émet quelques soupçons :

Il s’agit de cette pièce [Bélisaire de La Calprenède, non imprimée et louée en juillet 1659] plutôt que des tragédies plus anciennes de Desfontaines et de Rotrou, car le Bélisaire du premier, imprimé en 1641, demande un bois et une prison, tandis que le Bélisaire du dernier représenté vers 1642, désigne il est vrai, une bague, un poignard, des lettres [...] mais aussi [des] objets dont Laurent ne parle pas.⁸

Néanmoins, les lieux de l’action de notre pièce sont typiques de la tragi-comédie et il est facile d’imaginer ce que pouvait être le décor. Desfontaines, par ses didascalies, nous indique qu’il faut un palais, un bois et une prison ; nous pouvons ajouter que la salle du trône doit apparaître pour les scènes judiciaires du début et de la fin et qu’il faut ajouter deux autres pièces du palais : même si le dramaturge ne l’indique pas, l’enchaînement des scènes dans les actes III, IV et V nécessite deux salles et non une seule, pour la logique des entrées et des sorties des acteurs⁹. Ainsi, le décor serait le suivant : au fond, une toile représentant le palais en perspective avec la salle du trône (au milieu pour respecter la symétrie), puis, des deux côtés de la scène, les deux autres salles du palais. La prison serait devant à gauche caractérisée par une grande fenêtre grillée. Devant à droite, on trouverait le bois. Il est important de préciser qu’il était souvent impossible pour l’acteur de rester dans le compartiment où l’action est censée avoir lieu. L’acteur se montrait dans le lieu puis allait au milieu de la scène où l’auditoire pouvait le voir et l’entendre, tout en supposant qu’il était toujours dans le compartiment d’où il était sorti.

En plus de la fonction dramatique de la mise en scène qui donne un espace concret au texte, elle apporte une dimension décorative et spectaculaire pour le plaisir des yeux. Le public attend, en effet, que les personnages évoquent une idée de richesse et de noblesse par leurs atours. Nous n’avons aucun indice sur la beauté du décor et des costumes mais nous pouvons imaginer qu’ils devaient correspondre à la grandeur et à la majesté de l’empereur Justinien. Un seul accessoire permet de se faire une idée sur cette richesse : c’est un diamant qu’Iskirion offre à Bélisaire en gage d’amitié.

En plus de cette magnificence des accessoires, il y a le spectacle de la pompe royale. J. Scherer¹⁰ insiste sur l’importance de cette notion de « pompe » dans l’esthétique du XVIIème siècle, pompe que l’on obtient au théâtre, selon d’Aubignac, « par le nombre et par le majesté des acteurs, ou par un spectacle magnifique »¹¹. C’est ainsi que Bélisaire compte deux scènes de cérémonie où l’on retrouve tous les personnages : la première et la dernière de la pièce, deux scènes judiciaires d’une gravité majestueuse que l’on imagine bien jouée dans la salle du trône.

Par ailleurs, comme le recommandait Aristote, il faut exciter la terreur et la pitié ce qui n’est pas sans déplaire au sentiment populaire. Ainsi la mise en scène va fournir plusieurs éléments de spectacle pathétique¹². La prison est assez courante : elle offre souvent l’occasion au héros de se plaindre et permet même, ici, à Bélisaire de se rendre compte de son amour pour Sophie et de la générosité de cette dernière qui est prête à prendre sa place de captif pourvu que l’homme qu’elle aime soit libre (V, 11).

Enfin il faut noter l’importance des combats que se livrent les acteurs qui sont là pour matérialiser les conflits. La forme de combat la plus répandue est le duel mais elle est absente de Bélisaire ; elle est remplacée par le guet-apens (II, 2).

Esthétique romanesque §

Bélisaire répond aux caractéristiques de l’esthétique baroque avec, en plus du spectacle, un élément nécessaire pour toucher le public : le romanesque. Il naît du caractère invraisemblable des thèmes et de leur multiplicité. Bélisaire manque de mourir pas moins de cinq fois et n’hésite pas à se mettre en péril pour sauver des étrangers. D’autre part le repentir de Théodore ainsi que la croyance aveugle de Justinien dans les dires de son épouse sur une trahison de Bélisaire paraissent un peu extrêmes et dignes du roman. Que dire encore du « duel de générosité » entre Amalazonthe et Vitigés (acte I, scène 1), et de celui entre Iskirion et Bélisaire (acte V, scène 11) où chacun accepte de perdre la vie pour sauver l’autre ? N’oublions pas non plus l’offre que fait Sophie à Bélisaire de prendre sa place en prison pour qu’il retrouve la liberté (acte V, scène 10). A ces lieux communs de la littérature romanesque, s’ajoute le déguisement. On ne trouve qu’un seul déguisement dans la pièce, le tapabort de Narsès à la scène 3 de l’acte II, mais qui est tout à fait motivé et nécessaire à l’action. En effet, Bélisaire ne doit pas voir pendant le combat le visage de son adversaire afin qu’il le frappe impunément et garde ainsi sa vertu malgré la blessure mortelle qu’il inflige à son meilleur ami (dont la mort est également nécessaire). Il y a également la référence au travestissement de Sophie et de Bélisaire pour que la première prenne la place en prison et que l’autre sorte sans éveiller les soupçons des gardes.

D’autre part, c’est au langage que les dramaturges vont demander de plus en plus de frapper l’imagination et la sensibilité des spectateurs. Dans la tragi-comédie, se met en place une véritable rhétorique passionnelle qui, à travers l’expression des sentiments exaltés des personnages, cherche à toucher et émouvoir le public : ce qui contribue à faire du texte, un discours galant.

Cette rhétorique emploie donc un certains nombres de figures de style (métaphore, hyperbole, antithèse) mais aussi les formes d’écriture théâtrale comme le monologue et les stances lyriques. On retrouve alors les métaphores et comparaisons hyperboliques, mises à la mode par la poésie pétrarquiste, pour désigner la femme aimée ou décrire ses beautés. La comparaison de Sophie avec un « Astre divin » revient constamment dans la bouche d’Iskirion : il tente d’attirer l’attention de Bélisaire et de lui redonner espoir ;

Voy cét Astre Divin qui doit finir ta peine,

Sophie est tousjours belle & jamais inhumaine (10, V).

Quant aux métaphores exprimant le mal d’amour - le feu consume, trait qui blesse, lien captif -, les amants les répètent sans cesse. C’est l’occasion d’un jeu subtil entre Bélisaire et Amalazonthe :

Belis.

...Amour n’est jamais mieux que dans une prison,

Il hayt la liberté, fait mesme qu’on la craigne,

Et la chasse d’un coeur aussi tost qu’elle y regne.

Amal.

Ses plumes nous font voir qu’il sçait bien en partir.

Belis.

Mais c’est pour y voler, & non pour en sortir,

Conservons liy pourtant l’usage de ses aisles,

Sortant d’une prison qu’il entre en de plus belles, [...]

Amour vous nuit icy, qu’Amour vous en retire. (v. 821-830)

Théodore se sert aussi de la métaphore pour exprimer la haine et le terrible désir de vengeance que lui inspire la gloire de Bélisaire :

Icare audacieux, cette orgueïlleuse pompe

Dont le funeste esclat me déplaist & te trompe,

Seront de faux ardens dont les traistres appas

Attireront ta vie au chemin du trespas. (v. 153-156)

L’antithèse permet aussi souvent aux personnages de faire connaître leurs sentiments avec force, soit que partagés entre deux passions contraires, soit que leur joie ou leur douleur contrastent avec la situation dans laquelle ils se trouvent. C’est ainsi que l’impératrice évoque son trouble, avec en plus un effet d’accumulation :

Je desteste son nom, je le hay, je l’abhorre,

Je le fuis, je le crains, & je l’aime encore,

Je sens mon feu s’éteindre, & puis se rallumer,

Je ne le puis hayr, je ne le puis aimer, (v. 1482-1485).

D’autres figures contribuent à suggérer la violence des passions et le trouble qu’elle engendre. Ainsi les invocations et apostrophes que les héros adressent aux dieux ou forces de la nature. Bélisaire, isolé à l’orée du bois, se tourne vers les arbres qui l’entourent :

Lieux charmans, solitude sombre,

Séjour du silence & de l’ombre,

Beaux arbres que je rends tesmoins de mon tourment, (v. 409-411).

Mais dans cette pièce, c’est le dieu Amour qui est le plus souvent invoqué. Narsés lui demande de l’aide dans sa mission pour protéger Bélisaire, mais en même temps est persuadé qu’un tel dieu n se tient que du côté du crime :

Et toy Dieu des beautez, & des graces, Amour,

Confonds un assasin qui vient en cette Cour, [...]

Mais ! ô Roy du désordre et du déreglement,

Ma voix en ce besoin t’invoque vainement,

Tu ris dans les malheurs, tu te plais dans les larmes,

A ces tristes effects tu reserves tes armes. (v. 375-382)

Parfois lyrisme et rhétorique s’allient afin de plus émouvoir et prennent souvent la forme des stances. Bélisaire s’exprime deux fois en stances dans l’acte II et partage ainsi avec le public sa douleur et sa détresse : dans un cas, il s’agit de sa plainte amoureuse dans la mesure où il a un rival (2, II) et dans l’autre, de son affliction devant la cadavre de son ami qu’il vient de tuer par erreur (5, II).

D’autre part, les références à Eros, fort nombreuses, se font souvent sur un mode descriptif comme s’il s’agissait de véritables tableaux, et selon les critères de représentation traditionnelle de cet enfant ailé :

Et tu ne portes plus de traits dans ton carquoy,

Que pour favoriser des tyrans comme toy, [...]

Seconde des desseins, allume ton flambeau, (v. 383-387)

Tous ces éléments montrent bien le souci du dramaturge de toucher l’imagination des spectateurs aussi bien par la situation sur scène que par le discours font de Bélisaire une véritable tragi-comédie. Cependant, elle présente la caractéristique de ne pas comporter d’indices proprement comiques ce qui peut s’expliquer par le fait que la source est une tragédie et que les personnages sont presque tous de haute condition.

Les personnages §

Bélisaire est, comme nous l’avons vu d’après sa présence sur scène et son temps de paroles, le personnage principal et présente le caractère du héros de tragi-comédie : il brille par son courage et par la noblesse de ses sentiments.

Comme tout héros tragi-comique, il est amoureux passionné : cet amour est soudain, irrésistible, inspirant une véritable dévotion pour sa maîtresse et un attachement que rien ne peut rompre, même le discours que lui tient Sophie. Il préfère mourir que d’accepter que la femme qu’il aime éprouve des sentiments pour un autre (2, IV). Mais en même temps, Bélisaire est amoureux inconstant : il a un penchant pour Amalazonthe, mais n’est cependant pas indifférent à la beauté de Sophie. Dans le face à face des deux amants, Bélisaire reconnaît qu’elle a beaucoup de charmes (« Et pour ne pas aimer il ne faut pas vous voir », v.1097) mais explique le fait qu’il se détourne d’elle par le respect qu’elle inspire, d’autant plus qu’elle est la nièce de son maître. Ce caractère inconstant va se confirmer dans le dénouement puisque devant la générosité de Sophie, il va très vite oublier Amalazonthe pour s’unir à Sophie.

Même si Bélisaire est un héros inconstant, il n’en demeure pas moins digne d’être le favori de Justinien et d’être au rang de héros. C’est un brave guerrier qui multiplie les victoires, grâce à qui l’Empire s’agrandit et qui est capable d’une extraordinaire générosité. Il est, en effet, prêt à mettre sa vie en danger afin de sauver les autres comme en témoigne la façon dont il tire Iskirion du guet-apens dans lequel il est tombé (3, II). En plus de cette grandeur d’âme, Bélisaire est un être vertueux par son sens de la justice, de l’obéissance et de l’honneur. Il est entièrement dévoué à son empereur, soumis à toutes ses décisions au point de ne point chercher à se défendre lorsqu’il est fait prisonnier alors qu’il est innocent. Il accepte aussi difficilement les pouvoirs que Justinien lui offre en récompense de ses exploits militaires ne se sentant pas digne de les recevoir et d’être ainsi l’égal de l’empereur. Par ailleurs, c’est un homme qui agit au nom de la justice au point qu’il n’hésite pas à vouloir se donner la mort en punition du coup mortel qu’il a porté sur Narsés. Bélisaire obéit aussi au code de l’honneur non seulement pour lui mais aussi pour Théodore et Sophie. En effet, il évoque la question de l’honneur afin de justifier auprès de l’impératrice le fait qu’il est répondu négativement à ses avances d’autrefois (« Loin de vous mépriser, combien je vous honnore, / Puis que sans écouter mon amour suborneur, / J’ay perdu mes plaisirs pour sauver vostre honneur : » v.1658-1659).

Bélisaire est donc un véritable héros de tragi-comédie, amoureux et même inconstant mais sachant répondre aux vertus nobles dignes des personnages de son rang. Cependant, certains passages font entorse à la bienséance interne. Obéir à la bienséance interne, c’est faire évoluer un personnage conformément à la manière dont il a été introduit ; cela signifie que Bélisaire présenté comme un homme vertueux et soumis doit le rester jusqu’à la fin de la pièce. Or c’est précisément ce qui pose problème, notamment dans ses tête-à-tête amoureux dans lesquels il se montre parfois odieux. Si l’on se réfère à la scène 3 de l’acte III, on peut noter combien Bélisaire est menaçant dans ses propos, voire même tyrannique dans la fin de l’entrevue contrairement au début : « Cét espoir, ma Princesse, entretient vos malheurs, / Cette espine jamais ne produira de fleurs [...] / Vous reparez la vostre en mon amour offerte, / Ma premiere victoire est de vous acquerir. » (v. 832-840).

Enfin, nous pouvons noter que Bélisaire, héros tragique dans la pièce d’origine, perd cette dimension tragique. Il est tout au plus pathétique, notamment dans la scène de la prison ou lorsqu’il tue son ami Narsés. Nous reviendrons ultérieurement sur cette utilisation du thème tragique de l’innocent persécuté dans une tragi-comédie et les transformations que cela implique.

Le personnage féminin de Théodore a aussi un rôle capital dans l’action. C’est elle, comme nous l’avons déjà dit auparavant, qui lance l’action et la conduit jusqu’au bout dans la mesure où nous sommes dans une pièce à opposant unique. Et de façon plus précise, c’est l’honneur qui anime toute la pièce puisque c’est lui qui inspire tous les crimes de l’impératrice : elle ne peut supporter que Bélisaire l’ait méprisée et décide de se venger ; même la grandeur d’âme de sa victime ne parvient pas à la toucher. Elle met sa gloire en sa haine. Ce désir puissant de vengeance se traduit par une détermination et une précipitation particulières. On a alors le sentiment qu’elle agit davantage par instinct. La façon, par exemple, dont elle se confie à Narsés et Sophie, qui finalement ne s’avèrent pas être de véritables confidents puisqu’ils vont s’opposer à ses intentions, dans la scène qui suit immédiatement après, illustre très bien cette détermination. De même, quand elle apprend l’échec d’Iskirion, elle se tourne tout de suite vers Doristel, sans même prendre la peine de s’assurer de sa fiabilité ; elle ne prend d’ailleurs pas le temps de punir Iskirion comme elle l’avait menacé s’il échouait. Théodore est finalement une femme seule : elle n’a ni confidente, ni suivante contrairement à la pièce espagnole dans laquelle Théodore en a trois, et tous ses mandataires échouent par amitié ou reconnaissance envers Bélisaire. D’une certaine façon, elle n’a pas besoin de confident puisqu’elle nous fait connaître ses états d’esprit, seule, dans ses monologues à l’acte cinq. Mais ces monologues apparaissent davantage comme un pur ressort dramatique que comme l’indice d’une profondeur psychologique. En outre, il semblerait que Desfontaines ait choisi de l’isoler ainsi, afin de mettre en valeur le décalage entre cette femme impérieuse et orgueilleuse et le général vertueux et généreux que tout le monde soutient contre elle : la grandeur d’âme de Bélisaire est d’autant plus importante que la colère de Théodore est aveugle et démesurée.

Mais il n’en demeure pas moins que l’impératrice est une femme intelligente et qui sait retourner la situation à son avantage. L’épisode de la lettre en est le meilleur témoin : c’est uniquement quand elle apprend par Justinien que Bélisaire quitte la cour et qu’il cache la raison de son départ, qu’elle pense à utiliser la lettre contre lui. Mais aussi intelligente soit-elle, on se demande pourquoi elle attend le dernier acte pour nous dévoiler les véritables enjeux de sa vengeance. L’évolution psychologique du personnage se fait en l’espace de quelques scènes seulement, ce qui semble un peu rapide pour un caractère si déterminé. À cette faiblesse de Desfontaines dans la construction de sa pièce, s’ajoute la même entorse que pour le personnage de Bélisaire. Dans la scène 3 de l’acte IV, Théodore s’adresse à Iskirion sur un ton et d’une manière qui ne correspondent pas à ceux qu’on emploie devant un Prince : « Perfide est-ce donc là l’effect de ta promesse ? / [...] Tu medites en vain des excuses frivoles, » (v.1198-1209).

Autour de ces deux personnages centraux de la pièce, on trouve aussi l’empereur dont la présence dans la pièce française est très réduite. On ne compte que quatre entrées dans des scènes en majorité politique dont trois dans le dernier acte. Justinien a un rôle avant tout de juge (son nom est déjà porteur de sens). La pièce s’ouvre et se ferme par une scène judiciaire dans lesquelles il prononce un jugement : dans la première il s’agit du sort de Vitigés et Amalazonthe, faits prisonniers par Bélisaire ; à la fin il est question de l’union de Bélisaire et Sophie et de Vitigés et Amalazonthe.

Lors de ses deux autres apparitions, son autorité est mise en difficulté. A la scène 6 de l’acte V, Justinien entre seul, même sans garde (symbole de son pouvoir), et paraît très affligé de la décision qu’il a prise au sujet du départ de Bélisaire : il agit désormais plus en tant qu’homme et époux puisqu’il fait intervenir ses sentiments dans ses arrêtés, comme en témoigne l’ordre qu’il donne suite aux révélations de sa femme. De même, dans la scène 12 de l’acte V, l’empereur s’interroge sur le jugement qu’il va prononcer et la punition qu’il va infliger à Bélisaire. Il fait là aussi parler son cœur, ce qui est normalement interdit à un juge comme le symbolise la statue aux yeux bandés de la justice (les juge ne doivent ni connaître ni favoriser personne). Le dilemme dans lequel il est engagé se résout de lui même avec l’arrivée de Théodore et le prisonnier dont elle déclare l’innocence.

Desfontaines a ainsi éliminé toutes les autres scènes espagnoles dans lesquelles Justinien prenaient plus part à la vie de ses sujets et tentaient de découvrir la responsable des attentats visant Bélisaire. Dans la pièce française, l’empereur n’est, bizarrement, pas au courant du danger que court son favori...

Le deuxième personnage féminin d’importance est celui de Sophie, qui lui aussi a changé par rapport à celui que propose Mira de Mescua. Elle a acquis plus de caractère et d’assurance notamment face à Théodore. En effet, elle n’hésite pas à affirmer ce qu’elle pense des intentions meurtrières de sa rivale, ni à s’opposer à ses projets avec l’aide de Narsés, en protégeant Bélisaire. Elle ose tenir tête et de façon très habile, comme dans le premier acte. La relation Théodore-Sophie n’est plus à sens unique : la jeune fille se montre plus présente.

D’autre part, elle va reprendre la charge pathétique de la pièce, chose nouvelle chez Desfontaines. Elle se retrouve être le salaire du combat mené contre celui qu’elle aime. Elle est, dans cette situation, comparable à Chimène, héroïne de Corneille d’autant plus que la rencontre entre Bélisaire et Sophie se calque bien sur le face à face Chimène-Rodrigue. Mais elle n’en demeure pas moins une héroïne tragi-comique lorsqu’elle propose généreusement à Bélisaire de prendre sa place en prison.

Les autres rôles sont au départ des rivaux pour Bélisaire dans la mesure où ils incarnent l’obstacle au bonheur de ce dernier. Ils sont avant tout des opposants, des moyens pour Théodore ; mais cela, contrairement à la tendance général, ne signifie pas qu’ils n’ont aucune profondeur psychologique (à l’exception de Doristel). Narsés et Iskirion ont une conscience, un honneur a défendre et un idéal à poursuivre. C’est ainsi qu’on les voit tous deux s’interroger dans un monologue dans les termes du dilemme honneur-amour. D’autre part, ces deux personnages ont une véritable fonction auprès de Bélisaire lors de leur revirement, surtout Iskirion. En effet, c’est lui qui va pousser Sophie à se rendre dans la prison pour le libérer.

Édition §

Nous ne possédons pas le manuscrit de Bélisaire. Il n’en existe qu’une édition :

BELISAIRE. / TRAGI-COMEDIE. / (fleuron) / DEDIE’E / A MONSEIGNEUR LE COMTE / DE BURY. / A PARIS, / Chez AUGUSTIN COURBE’ Impri- / meur & Libraire ordinaire de Monseigneur / Frere unique de sa Majesté, en la petite / Salle du Palais, à la Palme. / M. DC. XLI. / AVEC PRIVILEGE DU ROY.

Petit in -4°.

120 pages.

I/ Fleuron gravé par Darat avec la devise « Curvata resurgo » ;

II/ Verso blanc ;

III-V/ Dédicace à Messire François de Rostaing Chevalier Comte de Bury ;

VI/ Sonnet au même ;

VII/ Extrait du privilège ;

VIII/ Verso blanc ;

IX/ Liste des acteurs.

P. 1-112, Belisaire.

Privilège accordé pour sept ans à Courbé le 20 juin 1641 ; achevé d’imprimer le 6 juillet 1641.

Il existe d’assez nombreux exemplaires de la même édition dans les collections publiques françaises et étrangères. Les éditions séparées sont :

• – à la Bibliothèque Nationale : Yf 575 in 4°, hors d’usage,
• – à la Bibliothèque de la Sorbonne : R ra 428 in 8°.
• – à la Bibliothèque municipale de Lyon : 36 0741

Les éditions collectives sont :

• – à la Bibliothèque de l’Arsenal : 4BL 3490 (2) in 4°,    
• – à la Bibliothèque municipale de Rouen : 0. 598 (3)
• – à la Bibliothèque du British Museum, Londres : 86.a.l.(5)

Principes retenus dans la présente édition §

Nous avons préféré garder l’orthographe de l’original. Il ne faudra donc pas s’étonner des nombreuses formes d’un même mot : le XVIIème siècle n’avait pas encore une orthographe fixe. Nous avons néanmoins modernisé quelques graphies : décomposition des voyelles nasales surmontées du tilde en voyelle + consonne, les ### en ss, différenciation de i et u de j et v.

Nous avons également conserver la ponctuation de l’époque qui n’a pas la même valeur que la nôtre : il n’était par exemple pas rare de trouver une virgule entre le sujet et verbe si celui-ci était au vers suivant. En fait, la ponctuation était plutôt une indication pour la déclamation.

Les didascalies sont conformes à celles de l’original, ainsi que le découpage des scènes.

Nous avons néanmoins ajouté le numéro des vers pour faciliter la lecture.

Corrections §

Nous avons corrigé quelques erreurs et coquilles qui semblaient être de l’éditeur. En voici la liste :

vers 270 faire ou rage / 274 l’audace n’offence / 309 qu’elle est / 339 prevenir / 427 s’en est fait / 452 où / 567 Enyurez / 966 lâches / 1001 qui [...] mon / 1020 le sang / 1282 nostre / 1228 baniray / 1255 En son rang / 1279 & la place / 1383 à présent / 1416 & ici / 1531 Arrestez-le / 1693 autre Estat / 1699 calmans / Rubrique de la scène 8, de l’acte V : SCENE VII / même scène : SOPHIE / rubrique de la scène 10, de l’acte V : ISKIRION / didascalie scène 10, V: les fers à Belis. / didascalie scène 11, V : A Iskir.

Nous avons également modifié certains signes de ponctuation dans le texte pour une meilleure compréhension ; en voici la liste, avant correction :

vers 173 commandement puissant / 427 fait quitte / 448 veu posseder / 843 a ravy sa presence, / 1228 mon sort. / 1273 sommeil je luy / 1328 Prince infortuné, / 1333 si belle main, / 1383 vos yeux, à présent / 1417 ton supplice, / 1440 le perdant. / 1483 desseins differents. / 1535 expresse defense. / 1699 les flots calmans / 1747 meritoient.